Compositores del siglo XX: autores y características de su música

El siglo XX fue una etapa de grandes cambios en la música. Los compositores de este periodo heredaron formas y lenguajes de épocas anteriores, pero también buscaron nuevas maneras de organizar el sonido. Por eso, en sus obras aparecen transformaciones de la melodía, la armonía, el ritmo, la instrumentación y la relación entre la música clásica y otros géneros.

Resumen

La música del siglo XX se caracteriza por una gran diversidad de corrientes y por la búsqueda de nuevas formas de organizar el sonido. Sus autores transformaron la tonalidad, el ritmo y los timbres, mezclando influencias del jazz, la música popular y otras culturas. Schönberg desarrolló la atonalidad y el dodecafonismo; Stravinsky recorrió varios estilos; Gershwin y Ellington integraron el jazz; Cage experimentó con el azar y el silencio; Shostakóvich expresó tensiones históricas y Glass destacó por el minimalismo.

La música del siglo XX: características

La música del siglo XX no sigue un único estilo. En ella conviven tendencias muy diferentes, desde obras que conservan la tonalidad tradicional hasta composiciones que prescinden de ella casi por completo. Esta diversidad se explica por la libertad con la que muchos autores experimentaron y por el contacto entre culturas y géneros musicales.

• Ruptura con la tonalidad: algunos compositores dejaron de organizar las notas alrededor de una tonalidad principal. Así surgieron lenguajes atonales y nuevas formas de ordenar los sonidos.
• Importancia del ritmo: se incorporaron ritmos irregulares, acentos inesperados y patrones procedentes del jazz, de la música popular y de distintas tradiciones culturales.
• Nuevos timbres: la orquesta se amplió con combinaciones instrumentales poco habituales. También se utilizaron objetos, instrumentos preparados y recursos electrónicos.
• Mezcla de estilos: el jazz, el ballet, el teatro musical, la música cinematográfica y las tradiciones populares influyeron en la creación de obras de concierto.
• Experimentación: algunos autores concedieron importancia al azar, al silencio, al ruido o a la participación del intérprete y del público.

Por tanto, hablar de los compositores del siglo XX significa acercarse a una época con muchas corrientes. Los autores siguientes representan solo una parte de esa variedad, pero permiten observar algunos de los cambios más importantes.

Principales compositores del siglo XX

Arnold Schönberg (1874-1951, Austria)

Arnold Schönberg fue una figura decisiva en la renovación del lenguaje musical. Sus primeras obras todavía parten de la tradición tardorromántica, pero más adelante desarrolló una escritura en la que no existe una tonalidad principal estable. Esta tendencia se conoce como atonalidad.

Schönberg también elaboró el dodecafonismo, un procedimiento que utiliza las doce notas de la escala cromática occidental antes de repetirlas, organizándolas mediante una serie. El objetivo era evitar que una nota funcionara como centro dominante de la composición. Sus ideas influyeron profundamente en numerosos compositores posteriores. Entre sus obras destacan Noche transfigurada y La espera.

Igor Stravinsky (1882-1971, Rusia)

Igor Stravinsky mantuvo una trayectoria muy extensa y atravesó distintas etapas estilísticas. En sus primeras obras mostró interés por el primitivismo, caracterizado por ritmos enérgicos, contrastes intensos y una sonoridad de gran fuerza. Después se acercó al neoclasicismo, que recuperaba formas y recursos del pasado con un lenguaje moderno, y más tarde exploró procedimientos seriales.

Su producción incluye ballets, óperas, sinfonías, obras para piano y composiciones relacionadas con el jazz. Como compositor, pianista y director, participó en la transformación del ballet, tanto por su música como por la manera de tratar el movimiento, el escenario y la colaboración artística. Sus títulos más conocidos son El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera.

George Gershwin (1898-1937, Estados Unidos)

George Gershwin destacó por acercar el lenguaje del jazz a la música de concierto y a los espectáculos teatrales. En muchas de sus composiciones combina ritmos sincopados, colores propios de la música popular y procedimientos asociados a la tradición clásica. Su trabajo demuestra que las fronteras entre la música académica y la música popular podían ser más flexibles de lo que se había pensado.

Gershwin colaboró con su hermano Ira, autor de numerosas letras. Juntos crearon canciones y obras para el teatro musical que alcanzaron una gran difusión. Gershwin también abordó cuestiones sociales relacionadas con la población afroamericana de Estados Unidos en la ópera Porgy and Bess. Entre sus obras más conocidas se encuentran Rhapsody in Blue y Porgy and Bess.

Duke Ellington (1899-1974, Estados Unidos)

Duke Ellington fue compositor, pianista y director de una importante big band de jazz. Su actividad estuvo vinculada a la vida musical de Nueva York y a espacios como el Cotton Club, pero su importancia va mucho más allá de la dirección de una orquesta de entretenimiento.

Ellington aprovechó las características de cada instrumento y construyó una escritura orquestal muy elaborada. En sus obras se mezclan el swing, la improvisación y las posibilidades de los instrumentos de viento con recursos cercanos a la música sinfónica. Muchas de sus piezas se convirtieron en estándares del jazz. Entre ellas están Caravan, Solitude e In a Sentimental Mood.

Dmitri Shostakóvich (1906-1975, Rusia)

Dmitri Shostakóvich desarrolló su carrera en la Unión Soviética, un contexto político que influyó en su vida pública y en la recepción de sus obras. En algunos momentos tuvo problemas con las autoridades y su música fue objeto de críticas oficiales. Esa tensión entre las exigencias del sistema y la expresión personal aparece como una cuestión importante al estudiar su trayectoria.

Su estilo se reconoce por los contrastes bruscos, los cambios de intensidad y una combinación de solemnidad, ironía y carácter grotesco. Compuso 15 sinfonías, conciertos, música de cámara, óperas, bandas sonoras y música para ballet. Su ópera Lady Macbeth de Mtsensk provocó una fuerte polémica. También son relevantes la Sinfonía n.º 1 y la Sinfonía n.º 12.

John Cage (1912-1992, Estados Unidos)

John Cage amplió la idea de lo que podía considerarse música. Su actividad estuvo relacionada con la composición, la poesía, la filosofía, la pintura y la reflexión sobre el silencio. No entendía la obra musical únicamente como una sucesión de notas escritas para ser reproducidas de una manera fija.

Uno de sus procedimientos más conocidos fue la música aleatoria, en la que determinadas decisiones pueden quedar en manos del azar o del intérprete. También experimentó con instrumentos preparados, sonidos no convencionales y medios electrónicos. En 4’33’’, una obra dividida en tres movimientos, el intérprete no toca notas convencionales; los sonidos del entorno adquieren así un papel central. Otros títulos destacados son Music of Changes y Radio Music.

Leonard Bernstein (1918-1990, Estados Unidos)

Leonard Bernstein alcanzó reconocimiento internacional como director de orquesta y fue uno de los grandes divulgadores de la música clásica. Además de interpretar el repertorio de otros autores, compuso obras sinfónicas, piezas religiosas, música para el teatro y partituras para el cine.

Su lenguaje reúne elementos de la tradición clásica con influencias del jazz y de la música popular estadounidense. En el teatro musical, West Side Story es su obra más célebre: combina canciones, danza y una historia dramática ambientada en Nueva York. También compuso Candide y la música de Un día en Nueva York.

Philip Glass (1937, Estados Unidos)

Philip Glass es uno de los representantes más conocidos de la música minimalista. Este lenguaje suele partir de células breves que se repiten y cambian poco a poco. La repetición no significa que la música permanezca inmóvil: las pequeñas variaciones de ritmo, armonía, registro o instrumentación producen una evolución gradual.

Glass ha compuesto óperas, sinfonías, conciertos y música de cámara. También alcanzó una amplia audiencia gracias a su trabajo para el cine, donde sus patrones repetitivos contribuyen a crear atmósferas y continuidad dramática. Entre sus obras y proyectos más conocidos figuran Glassworks, la música de Koyaanisqatsi y la ópera The Juniper Tree.

Una época de caminos musicales diferentes

Estos compositores no forman una escuela única ni comparten una misma forma de escribir. Schönberg exploró la atonalidad y el dodecafonismo; Stravinsky pasó por varias corrientes; Gershwin y Ellington acercaron el jazz a nuevos públicos; Shostakóvich utilizó la sinfonía y la ópera para desarrollar un lenguaje intenso; Cage cuestionó la definición de música, y Glass trabajó con la repetición minimalista. Sus propuestas ayudan a entender por qué el siglo XX fue una de las etapas más variadas de la historia de la composición.